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martes, 23 de enero de 2018

Good Bye Rosie the Riveter


Una mujer vestida con mono azul, tocada con un pañuelo rojo de lunares blancos, remangándose para mostrar músculo. Rosie la Remachadora (Rosie the Riveter) se ha convertido en un icono global, asociado a la mujer trabajadora y el feminismo, aunque nació en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial como una ilustración para animar a las mujeres a cubrir en las fábricas a los hombres que habían marchado al frente. La verdadera Rosie, quien inspiró el cartel, se llamaba Naomi Parker Fraley y falleció el pasado sábado a los 96 años en en el Estado de Washington, según The New York Times.
Otras mujeres se habían atribuido antes la identidad de la famosa obrera, pero seis años de investigación del académico James J. Kimble sirvieron para descubrir a Naomi, una camarera de California. Tercera de ocho hijos de un matrimonio de Tulsa (Oklahoma), nació en 1921. A los 20 años, tras el ataque a Pearl Harbour, se fue a trabajar a la estación Naval Aérea de Alameda junto a su hermana Ada, de 18.
Kimble dijo en una entrevista al Times que la búsqueda de la verdadera Rosie comenzó en 2010 y se acabó convirtiendo en una obsesión. Durante el proceso acabó descartando a la que hasta entonces se había convertido en la Rosie más plausible, la ya difunta Geraldine Hoff Doyle, que en 1942 había trabajado en una planta de prensar de metal.
El póster con el lema -“¡Podemos hacerlo!”-, obra del artista J. Howard Miller, había caído en el olvido tras la guerra, pero resurgió como un icono feminista en los 80. Con él, también se recuperó la foto de una mujer con un pañuelo rojo y lunares blancos en un torno de una fábrica que se consideró la inspiración de aquella campaña. Geraldine Doyle vio por aquel entonces la fotografía y creyó reconocerse en en ella. Hasta su obituario, de 2010, la despedía como la trabajadora icono de la Segunda Guerra Mundial.
El académico cree que la mujer lo dijo de buena fe, pero no entendía que nadie lo cuestionara y se puso a investigar hasta confirmar quién era aquella obrera. Y era Naomi Fraley, quien, por su parte, también se había reconocido a sí misma en la fotografía de la fábrica, en una exposición en 2011.
Kimble removió cielo y tierra para conseguir alguna copia de esa instantánea y por fin encontró la de un comerciante de antigüedades. Ponía la fecha -24 de marzo de 1942- y un breve texto que resolvería el entuerto: “La bella Naomi Parker parece que puede pillarse la nariz en el torno que está utilizando”. Luego fue en su busca. Vivía en California con su hermana Ada.
Fuente: https://elpais.com/internacional/2018/01/23/estados_unidos/1516662685_725483.html

sábado, 4 de junio de 2016

Rembrandt tenía un iPhone?

Un día antes de que Tim Cook participara de la Start-up Fest en Ámsterdam, el ex comisionado de la Unión Europea, Neelie Kroes acompañó al CEO de AppleTim Cook, en su excursión por el Rijksmuseum, uno de los más importantes centros culturales de la capital holandesa.

Allí, se sorprendió con una pintura que supuso de Rembrandt. Con ojos sólo para sus productos, Cook creyó ver un iPhone en la mano de uno de los protagonistas de la obra "Un hombre entrega una carta a una mujer", que el artista Pieter de Hooch realizó en 1670.

"Un hombre entrega una carta a una mujer", obra que el artista Pieter de Hooch realizó en 1670

"¿Por casualidad sabes Tim, cuándo y dónde el iPhone fue inventado?", preguntó Kroes Cook en el escenario, durante su ponencia en la Start-up Fest. Fue en ese momento cuando el CEO de la empresa estadounidense relató que había "visto" uno de sus productos en la mano de uno de los personajes de la obra pictórica.

"Tú sabes, creí que lo sabía hasta anoche. Anoche Neelie me llevó a echarle una mirada a algunas pinturas de Rembrandt, y en una de esas pinturas quedé impresionado. Había un iPhone en una de las pinturas", respondió sonriente CookKroes mostró la imagen, pero se veía borrosa por lo que el CEO de Apple debió aclarar: "Es difícil de ver, pero les juro que está allí. Siempre creí saber cuándo el iPhone había sido inventado, pero ahora no estoy tan seguro".
Fuente: http://www.infobae.com/2016/05/26/1814213-tim-cook-y-el-secreto-oculto-una-pintura-1670

miércoles, 31 de julio de 2013

Basta de escribir en autos "Lavame sucio", podemos frustar a un artista



Podemos encontrar un sinnúmero de obras alrededor del mundo, cuyo tema principal son los autos, algunas en forma de esculturas, otras en pinturas, libros y autos a escala, por mencionar algunas, pero también existen talentos muy originales como el caso de las obras de distintos autores alrededor del mundo que se dedican a dibujar sobre el polvo de los autos.
A continuación de damos a conocer algunos artistas involucrados en este tipo de arte.
Scott Wade; es un artista Norteamericano, famoso por pintar en los cristales empolvados de los autos, y no precisamente dibuja la típica frase de “Lávame”, sino que pinta verdaderas obras de arte, incluso algunas de ellas son réplicas de pinturas famosas como “La Noche Estrellada” de Van Gogh o “La Mona Lisa” de Da Vinci; y en ocasiones dibuja personajes de la historia o figuras de su propia creación.

Otra artista famosa es una chica coreana que le gusta dibujar rostros de mujeres. Su obra más famosa es el rostro de Marilyn Monroedibujado sobre la cajuela de un Volkswagen Golf en color rojo.
Fuente: http://noticias.espanol.autocosmos.com/2013/07/19/obras-de-arte-sobre-el-polvo-de-los-autos

miércoles, 10 de octubre de 2012

Cuestión de conceptos. Botero: "Yo no he pintado una gorda en mi vida"


"Yo no pinto gordas. No he pintado una gorda en mi vida. Lo que he hecho es expresar el volumen como parte de la sensualidad". Así de rotundo se ha mostrado el artista Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) durante la presentación esta mañana en el Museo de Bellas Artes de Bilbao de la muestra "Celebración", realizada coincidiendo con el 80 aniversario de su nacimiento.
El propio artista ha explicado que la muestra, que reúne 80 obras realizadas en los últimos 60 años, es "muy completa" porque cubre prácticamente todos los campos que ha pintado. "Es una buena selección y una de las exposiciones más representativas que se ha hecho en mi vida", ha dicho. Botero, conocido internacionalmente por las curvas de sus obras, ha explicado que cuando pinta una naturaleza muerta, un animal o un hombre hay un interés en "exaltar una forma" y de hacerla "más plástica y más monumental" casi con el deseo de hacerlo "comestible".
"No hay comentarios sobre la gordura o flacura en mis cuadros, sino que es solamente un deseo de estilo de intentar dar al volumen un protagonismo muy grande que ha marcado mi trabajo", ha indicado. La muestra, comisariada por su hija Lina Botero, se compone de 79 pinturas, en su mayoría procedentes e la colección privada del pintor, y una escultura monumental: el bronce "Caballo con bridas (2009)" colocada en la Gran Vía bilbaína.
La exposición, que podrá visitarse hasta el próximo 20 de enero, comienza con los años de formación de Botero para dar paso seguidamente a tres salas dedicadas a Latinoamérica, uno de los núcleos temáticos más importantes de su producción.
La siguen representaciones religiosas y de personajes del clero tratados con un benevolente sentido del humor. Botero ha explicado haber dedicado una serie completa al vía crucis porque a pesar de ser uno de los temas recurrentes de la pintura "desgraciadamente desapareció del radar del arte". "En el siglo XXI no veo ninguna manifestación religiosa en la pintura y por eso el tema me pareció tan atractivo. No es que yo sea religioso", ha explicado.
La exposición continúa con el mundo del circo, otro tema que considera atractivo ya que "está lleno de color" cuando en la actualidad "todo el mundo se viste de gris y negro", así como con las versiones y retratos de maestros de la historia del are, que Botero homenajea con admiración. El artista ha explicado que uno tiene que tener una convicción muy fuerte "casi sectaria" para crear un estilo propio y poder plasmar las mismas temáticas de forma diferenciada. "Primero hay que tener una convicción y después sale algo distinto", ha indicado.
La muestra cuenta también con el tríptico de Abu Ghraib, que pertenece a la serie que que el maestro dedicó a los terribles acontecimientos sucedidos en esa prisión iraquí, y con una sala dedicada al género de la naturaleza muerta.
La exposición del Museo de Bellas Artes de Bilbao incluye pinturas sobre la tauromaquia, otra de las grandes pasiones de Botero. El artista ha considerado una lástima que haya tanta oposición pero no cree que llegue a prohibirse a pesar de que ha reconocido que es una práctica "cruel".
En cualquier caso, ha insistido en que "es un arte que no debe desaparecer" ya que se trata de "un gran aporte cultural de España" y "una cosa tan ligada a la historia de la cultura española". Asimismo, ha recordado que ha habido tantas obras y maestros de la pintura y la literatura inspirándose en ese tema que no puede desaparecer. "Es parte de la cultura española y está arraigada totalmente en el país. Total, sería un crimen abolirla y espero que no se llegue a ese punto de absurdo", ha concluido.

jueves, 6 de septiembre de 2012

Pensando en 1899 el año 2000 por Jean-Marc Côté.

El ilustrador francés Jean-Marc Côté dibujó hace más de un siglo un mundo con bomberos voladores, maquillaje automático y un periódico parlante. Vea la galería

La visión de Jean-Marc Côté y de otros dibujantes de 1899 acerca del futuro no deja de ser sorprendente. Con su imaginación, concibieron un mundo en el que los bomberos tendrían alas para apagar mejor los incendios y en el que los maestros procesarían los textos para transmitirles mediante tubos el conocimiento a los alumnos.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Lo más divertido y llamativo era cómo se nota el tinte de la época en estas ideas, con cepillos grandes como los que usaban las bisabuelas para fregar el suelo o ballenas que transportarían a la gente debajo del agua.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
En algunos casos, lograron acertar, por ejemplo, con los aviones que tiran bombas y el “diario parlante”, bastante similar a los informativos radiales que llegarían a comienzos del siglo XX.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
La mayoría de las imágenes fueron producidas para la Exposición Universal realizada en el año 1900 en la ciudad de París. Luego, pasaron a decorar la caja de cerillas y de cigarrillos de ese entonces y, más adelante, a ser postales y láminas.

domingo, 19 de agosto de 2012

lunes, 18 de junio de 2012

Sin palabras 65: 190.000 euros por cuadro de Antonio Lopez para retratar a funcionario de Aznar

El Gobierno ha confirmado que el Ministerio de Fomento firmó en abril de 2010, con José Blanco al frente del Departamento, un contrato por importe de 165.000 euros más IVA (lo que eleva el precio total a más de 190.000 euros) para la realización del retrato de Francisco Álvarez Cascos, último ministro del ramo con el Gobierno de José María Aznar y ahora al frente de Foro Asturias.
Según señala el Ejecutivo en una respuesta parlamentaria, el cuadro responde a la costumbre de que los ministros, después de dejar su mandato, son invitados a realizarse un retrato destinado a la galería del Ministerio. Cascos ya legó un retrato suyo para el Ministerio de la Presidencia, inaugurado cuando Alfredo Pérez Rubalcaba estaba al frente de ese departamento.
La tradición es que sea el propio ex ministro quien escoja el artista que considere más adecuado, pero Álvarez Cascos no propuso cualquier retratista, sino que escogió a Antonio López, el genio hiperrrealista de Tomelloso (Ciudad Real), que es uno de los pintores más cotizados de la actualidad.
El Ministerio de Fomento cursó el encargo firmándose el contrato en abril de 2010 por un importe de 165.000 euros, IVA aparte. El Gobierno señala que esa cifra "es acorde con el precio habitual del autor por un encargo de dichas características".
Eso sí, en respuesta al diputado socialista asturiano Antonio Trevín, el Gobierno recalca que, como el retrato no ha sido entregado, el Ministerio de Fomento aún no ha abonado todavía cantidad alguna por él.
El precio del retrato de Cascos supera en más de doble que lo que el Congreso ha reservado para el del socialista José Bono, que supondrá un gasto de 82.600 euros, IVA incluido. Una cifra que ya suscitó una polémica porque pese a que el precio es similar al de cuadros anteriores, triplica el coste del dedicado a su antecesor en el cargo, el también socialista Manuel Marín, que optó por una fotografía cuyo precio será de 24.780 euros.
El cuadro de Bono será obra del pintor hiperrealista madrileño Bernardo Torrens, que ya tiene colgado en las paredes del palacio del Congreso el retrato de Félix Pons, mientras que el de Marín será una fotografía de Cristina García Rodero, Premio Nacional de Fotografía en 1996 y primera española que ingresó en la Agencia Magnum.

lunes, 23 de abril de 2012

Portada 5. Life Magazine (1951). The Irascible con Hedda Sterne como única mujer. (Por Eduardo Galeano)


‘The Irascibles,’ 1951. Front row: Theodore Stamos, Jimmy Ernst, Barnett Newman, James Brooks, and Mark Rothko; middle row: Richard Pousette-Dart, William Baziotes, Jackson Pollock, Clyfford Still, Robert Motherwell, and Bradley Walker Tomlin; back row: Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, and Hedda Sterne
La intrusa. En 1951 una foto publicada por la revista  Life causó revuelo en los círculos ilustrados de Nueva York.
Por primera vez aparecían, reunidos,  los más selectos pintores de la vanguardia artística de la ciudad: Mark Rothko, Jackson Pollock, Willem de Kooning y otros once maestros del expresionismo abstracto.
Todos hombres, pero en la fila de atrás aparecía en la foto una mujer, desconocida, de abrigo negro, sombrerito y bolso al brazo.
Los fotografiados no ocultaron su disgusto ente esa presencia ridícula.
Alguno intentó, en vano, disculpar a la infiltrada, y la elogió diciendo:
        -Ella pinta como un hombre.
Se llamaba Hedda Sterne.
Fuente: Los hijos de los días, de Eduardo Galeano, Siglo XXI

viernes, 10 de febrero de 2012

Sin palabras 60: «Pommes d'Or, de Stefan Bohnenberger, o la destrucción de las patatas fritas

Berlín, 9 feb (EFE).- Una galería de Múnich, al sur de Alemania, ha sido condenada a pagar una indemnización de 22.000 euros (unos 29.000 dólares) por la destrucción de dos patatas fritas que habían servido en 1990 como prototipo para un objeto de oro con forma de cruz titulado "Pommes d'Or".
La sentencia no recurrible dictada hoy por la Audiencia Superior de la capital bávara dio así la razón al artista Stefan Bohnenberger frente a la galería Mosel und Tschechow, a la que había denunciado por destruir lo que consideraba piezas artísticas, aunque solo fueran un modelo para un objeto definitivo.
Al contrario que la instancia anterior, que falló en contra del artista, la Audiencia Superior de Múnich no abordó la pregunta de si las patatas fritas eran también arte, sino de si podían tener un valor pecuniario.
En el fallo del tribunal tuvo al parecer una influencia considerable la declaración como testigo de una coleccionista de arte que se mostró dispuesta a comprar las patatas fritas y a pagar por ellas incluso 2.500 euros (unos 3.300 dólares).
"El artista ha sufrido la pérdida de unos posibles ingresos por el comportamiento culpable de la galería", señaló un portavoz del tribunal al explicar la sentencia, mientras el artista expresó su satisfacción y la galerista Andrea Tschechow su disgusto.
A juicio de la condenada las dos patatas fritas no podían ser consideradas un objeto de arte y puso en duda su posible venta, ya que, al tratarse del modelo para una pieza única, podrían haber sido utilizadas para hacer copias ilegales.
Tras su separación de la galería Mosel und Tschechov en 2005, Bohnenberger reclamó la devolución de su obra "Pommes d'Or" y las dos patatas fritas que habían servido como modelo para la pieza única.
La galería le entregó, tras un largo tira y afloja y el pago de 1.000 euros (1.325 dólares) por el material para su creación, la obra de arte, pero reconoció que las patatas fritas originales habían sido destruidas y que después de 22 años su estado de conservación sería muy dudoso.

sábado, 5 de noviembre de 2011

Limpiando en el museo de Ostwald de Dortmund

Una empleada destruye una obra de arte en Alemania por su afán de limpieza.

Una empleada de la limpieza de un museo alemán ha destruido una obra de arte en su afán por hacer su trabajo a la perfección y dejar inmaculadas las salas a su cargo.
La limpiadora deterioró parcialmente y de manera irreparable una obra del artista germano Martin Kippenberger (1953-1997) expuesta permanentemente en una de sus salas, ha comunicado hoy la dirección del Museo Ostwald de Dortmund, al oeste de Alemania.
Se trata de la pieza "Cuando empieza a gotear desde el techo", una torre de planchas de madera en cuya base se sitúa un recipiente de goma con una gran mancha de cal blanca.
La limpiadora la eliminó por completo en su afán de acabar con toda mácula para disgusto de la dirección del museo, cuyos restauradores consideran que el daño es totalmente irreversible.
Un portavoz de la galería subrayó que todas las empleadas de la limpieza son minuciosamente instruidas sobre su trabajo y se les advierte sobre lo que no deben tocar de ninguna manera.
"Es igual que en casa, cuando se les dice: 'limpie todo pero no me toque la mesa del despacho'", señaló Dagmar Papajewski, portavoz del departamento de Cultura de la ciudad de Dortmund, quien señaló que el caso se encuentra en manos de la compañía de seguros.
El caso recuerda el ocurrido en 1986 en la Academia de las Artes de Düsseldorf, donde una señora de la limpieza hizo desaparecer del techo de una sala la ya famosa "Mancha de grasa" de Joseph Beuys (1921-1986), daño que el estado de Renania del Norte Westfalia compensó con el pago de 40.000 marcos (unos 20.000 euros).

viernes, 8 de julio de 2011

Mujeres de Puerto Madero 12: Lola Mora

Lola Mora (Trancas, Prov. de Tucumán, 1867 - Buenos Aires, 1936). Hija de Romualdo A. Mora y Regina Vega, comienza su formación artística tomando lecciones de dibujo con el maestro italiano Santiago Falcucci en San Miguel de Tucumán. Allí ejecuta retratos de personalidades tucumanas y adquiere cierta notoriedad. En 1892, gracias a las gestiones de su maestro, expone en la sección de bellas artes de una kermesse organizada por las Damas de Beneficencia. Dos años más tarde exhibe una colección de retratos de gobernadores de la provincia de Tucumán en una exposición de la Sociedad de Beneficencia. Según Falcucci, el gobierno tucumano compra todas las obras en 5.000 pesos.
En 1896 la artista gana una beca del gobierno nacional para formarse en Roma. Allí logra ser aceptada en el taller del pintor Francesco Paolo Michetti, donde conoce al escultor Giulio Monteverde, autor del monumento a Mazzini emplazado en marzo de 1878 en la ciudad de Buenos Aires, con quien comenzaría a estudiar poco después. Durante algunos meses el gobierno argentino suspende su pensión, razón por la cual la artista tiene que comenzar a vender sus obras para sostenerse. Sus protectores en Argentina e Italia logran que se le vuelva a otorgar una beca y facilitan su inserción en los círculos sociales de Roma, donde Lola encontraría en el futuro a varios comitentes. Su actividad en la ciudad italiana es, por otra parte, con frecuencia comentada en la prensa porteña, que publica noticias sobre los encargos y viajes por Francia, España y Alemania.
Hacia fines de siglo expone con el seudónimo L. M. di Vinci el medio busto de una campesina en el palacio de Bellas Artes de Roma. En 1900 recibe su primer encargo oficial: dos bajorrelieves destinados a la Casa Histórica de Tucumán, que representan los sucesos del 25 de mayo de 1810 y del 9 de julio de 1816. El entusiasmo generado por aquel encargo la lleva a proponer al gobierno argentino, a través de la municipalidad de Buenos Aires, la realización de una fuente para la ciudad capital. Aceptada la oferta, se elige la Plaza de Mayo como destino de la obra, aunque ese emplazamiento inicial sería muy discutido con posterioridad, sobre todo una vez conocido y aprobado el boceto de la fuente, cuya temática mitológica y, en rigor, sus numerosos desnudos, no parecen haberse considerado adecuados para ser instalados frente a la Catedral.
Entre 1900 y 1902 se aboca a la realización de la Fuente de las Nereidas. Comenzada en Roma, la obra es terminada y ensamblada en Buenos Aires, luego de innumerables dilaciones y debates sobre su emplazamiento, en los que no está ausente la discusión de su mérito artístico. Finalmente se decide ubicarla en el Paseo de Julio, y la obra es inaugurada en 1903. En 1918 la obra es trasladada a la Costanera Sur.
A pesar de los debates, en 1903 la artista vuelve a Roma con una enorme cantidad de encargos oficiales. Además, gana el primer premio de un concurso organizado en Melbourne para erigir una estatua de la reina Victoria en esa ciudad. Sin embargo, en circunstancias cuyos detalles se desconocen, vende el boceto al escultor que finalmente se encarga de su realización. En Roma proyecta y supervisa la construcción de su villa en Via Dogali, que se convierte en centro de reunión de intelectuales, artistas y visitantes ilustres. En 1906 regresa a Buenos Aires a terminar las obras destinadas al Congreso Nacional, que años después, en 1913, serían también separadas de su emplazamiento original. Instalada su residencia y taller en las dependencias del mismo Congreso, conoce a Luis Hernández Otero, funcionario de la institución, con quien se casa en 1909. Juntos retornan a Roma, y allí Lola Mora trabaja en los monumentos a Nicolás Avellaneda y a la Bandera, aprobados antes de partir. El de Avellaneda es inaugurado en 1913 en la localidad que lleva su nombre; el segundo es trasladado a destino pero nunca ensamblado, y sus diferentes partes quedan repartidas en distintos paseos de la ciudad de Rosario. Recién en 1997 se las reúne y ubica cercanas al Monumento Nacional a la Bandera, obra de Bigatti, Fioravanti, Bustillo y Guido.
Separada de Hernández en 1917, hacia 1920 Lola Mora se asocia en Buenos Aires al inventor de una nueva técnica de proyección de películas cinematográficas a plena luz. Al parecer su invento despierta el interés de la prensa, pero no tiene éxito comercial. Se dedica durante esos años a la realización de mausoleos, la mayoría de ellos ubicados en el Cementerio de la Recoleta. Pocos años después se traslada a Salta, donde invierte todo su capital en el desarrollo de una actividad minera que finalmente no prospera. El gobierno acuerda otorgarle una pensión en 1935, un año antes de que falleciera en Buenos Aires, ya prácticamente paralizada por un ataque cerebral.
Fuente: http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/arteargentino/04biografias/mora_lola.php

viernes, 13 de agosto de 2010

Moral y Buenas Costumbres

Tuvieron que ponerle corpiños a una estatua porque distraía a los hombres.-
Los directivos de un acuario en Chessington, Reino Unido, le pusieron la parte de arriba de la bikini a una estatua sumergida de una sirena porque sus pechos atraían las miradas más de lo necesario. Según dijeron, muchos jóvenes visitantes del sexo masculino no le prestaban suficiente atención a la vida submarina.
La estatua que distrae a algunos hombres siendo tapada por personal del acuario
Así que para salvar el honor de la bella criatura mitológica -y sobre todo para que los visitantes volvieran a concentrarse en los peces- le cubrieron las pétreas mamas con la pieza superior de un traje de baño. De la parte inferior no se preocuparon debido a que, al parecer, el carácter ictícola de su pelvis no excitaba a los seres vivos que habitan el exterior de la pecera.
Justin Locker, el encargado del acuario, explicó que “no habíamos notado lo bien dotada que estaba Sally hasta que vimos que los muchachos -y no tan muchachos- pasaban mucho tiempo en ese sector del túnel”.
Fuente: http://www.metro.co.uk/weird/837282-chessington-sea-life-centre-cover-up-mermaids-breasts-with-bikini-top

domingo, 3 de enero de 2010

Cual es el arte más fascinante?

"Ser bueno en los negocios es el tipo de arte más fascinante... Hacer dinero es arte y trabajar es arte y un
buen negocio es el mejor arte"


Andy Warhol